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Darko Radosavljev - „Salas - a working tale“

Das Aufwachsen in der Familie war für den Tänzer und Choreografen Darko Radosavljev geprägt durch Geschichten von Situationen und Personen, die aufgrund von Verlust oder einem Leben in räumlicher Distanz für ihn nicht physisch greifbar wurden. Obwohl die Erzählungen und Mythen seiner Familie sehr präsent waren, konnte er selbst kein Teil dieser Geschichten werden, oder eigene körperliche Erfahrungen darin machen. Mit der Arbeit Salas - a working tale widmet er sich der intensiven künstlerischen Recherche zu den Mythen der Arbeit und Körperlichkeit, mit denen er aufwuchs, und entwickelt sie choreografisch zu einem Solo-Abend. Salas steht im serbischen für eine Feldhütte, in der Arbeiter*innen wohnen. Darko Radosavljevs Familie väterlicherseits lebte in einer dieser Hütten, bis sie genug materielle Sicherheit aufgebaut hatten, um ins Dorf ziehen zu können. Somit steht Salas zum einen für einen konkreten biographischen Ort seiner Familie. Zum anderen, da er selbst nie dort lebte, steht Salas auch für eine Projektion und einen Wunsch-Ort. Die Solo-Performance lädt ein, Gedanken und Fantasien über körperliche Arbeit und Familiengemeinschaft zu entwickeln und sich immer wieder neu in diese Räume zu denken. Nicht zuletzt entsteht dadurch auch (s)eine spezifische und queere Perspektive auf körperliche Arbeit und familiäre Teilhabe. Zwischen Performer und Zuschauer*innen wird diese imaginierte und imaginäre Salas eine geteilte Möglichkeit, Erzählungen und Handlungen neu zu denken und die Familiengeschichte (um)zuschreiben. Darko Radosavljev, geboren in Serbien, arbeitet und lebt als Choreograf und Tänzer in Essen und Berlin. Er studierte Tanz und Choreografie an der Folkwang Universität der Künste in Essen und bei P.A.R.T.S. in Brüssel, sowie Kunst und Politik an der Goldsmiths University of London und der London School of Economics. Er war von 2010-15 erster Tanzstipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes und erhielt 2018 für seine Solo-Arbeit Seascape die Einstiegsförderung der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa. Seine Kreationen wurden bei der Liverpool Biennial, Performing Arts Festival Berlin, Act! Bilbao, Tanzfabrik Berlin, Uferstudios Berlin, PACT Zollverein und tanzhaus nrw gezeigt. Radosavljev arbeitete u.a. mit dem Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Anne Teresa de Keersmaeker, Boris Charmatz, Reinhild Hoffmann, Xavier Le Roy, Nevin Aladag und Michiel Vandevelde zusammen. Dauer: ca. 60 Min. ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ For dancer and choreographer Darko Radosavljev, growing up in his family was characterised by stories of situations and persons that could not be grasped physically, due to loss or living out of reach. Although the stories and myths of his family were very present, he himself could neither become a part of these stories nor have his own physical experiences within them. With his work Salas - a working tale, he dedicates himself to intense artistic research into the myths of work and physicality with which he grew up, choreographically developing them to grow into a solo performance evening. In Serbian, »Salas« denotes a field hut in which labourers dwell. Darko Radosavljev´s paternal family inhabited one of those huts until they managed to accumulate enough material security to be able to move to the village. Therefore, on the one hand, Salas designates a specific biographical place of his family. On the other hand, never having lived there himself, Salas also stands for a projection and a space of desire. The solo performance invites its audience to develop thoughts and fantasies about physical work and family community and to re-imagine their way into these spaces again and again. Last not least, this also creates a (his) specific and queer perspective on physical work and family participation. Between performer and spectator, this imagined and imaginary Salas becomes a shared opportunity to rethink narratives and actions and to (re)write family history. Darko Radosavljev, born in Serbia, works and lives as a choreographer and dancer in Essen and Berlin. He studied dance and choreography at the Folkwang University of the Arts in Essen and at P.A.R.T.S. in Brussels, as well as art and politics at Goldsmiths University of London and the London School of Economics. Between 2010-15, he was the first dance stipendiary of the German National Academic Scholarship Foundation, and in 2018, he received entry-level funding from the Berlin Senate Department for Culture and Europe for his solo work Seascape. His creations have been shown at the Liverpool Biennial, Performing Arts Festival Berlin, Act! Bilbao, Tanzfabrik Berlin, Uferstudios Berlin, PACT Zollverein, and tanzhaus nrw. Radosavljev has collaborated with Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Anne Teresa de Keersmaeker, Boris Charmatz, Reinhild Hoffmann, Xavier Le Roy, Nevin Aladag, Michiel Vandevelde, and others. Duration: ca. 60 min. In German, English and Serbian with German and English surtitles. The play is understandable without knowledge of the language.

Düsseldorf | tanzhaus nrw

Darko Radosavljev - „Salas - a working tale“

Das Aufwachsen in der Familie war für den Tänzer und Choreografen Darko Radosavljev geprägt durch Geschichten von Situationen und Personen, die aufgrund von Verlust oder einem Leben in räumlicher Distanz für ihn nicht physisch greifbar wurden. Obwohl die Erzählungen und Mythen seiner Familie sehr präsent waren, konnte er selbst kein Teil dieser Geschichten werden, oder eigene körperliche Erfahrungen darin machen. Mit der Arbeit Salas - a working tale widmet er sich der intensiven künstlerischen Recherche zu den Mythen der Arbeit und Körperlichkeit, mit denen er aufwuchs, und entwickelt sie choreografisch zu einem Solo-Abend. Salas steht im serbischen für eine Feldhütte, in der Arbeiter*innen wohnen. Darko Radosavljevs Familie väterlicherseits lebte in einer dieser Hütten, bis sie genug materielle Sicherheit aufgebaut hatten, um ins Dorf ziehen zu können. Somit steht Salas zum einen für einen konkreten biographischen Ort seiner Familie. Zum anderen, da er selbst nie dort lebte, steht Salas auch für eine Projektion und einen Wunsch-Ort. Die Solo-Performance lädt ein, Gedanken und Fantasien über körperliche Arbeit und Familiengemeinschaft zu entwickeln und sich immer wieder neu in diese Räume zu denken. Nicht zuletzt entsteht dadurch auch (s)eine spezifische und queere Perspektive auf körperliche Arbeit und familiäre Teilhabe. Zwischen Performer und Zuschauer*innen wird diese imaginierte und imaginäre Salas eine geteilte Möglichkeit, Erzählungen und Handlungen neu zu denken und die Familiengeschichte (um)zuschreiben. Darko Radosavljev, geboren in Serbien, arbeitet und lebt als Choreograf und Tänzer in Essen und Berlin. Er studierte Tanz und Choreografie an der Folkwang Universität der Künste in Essen und bei P.A.R.T.S. in Brüssel, sowie Kunst und Politik an der Goldsmiths University of London und der London School of Economics. Er war von 2010-15 erster Tanzstipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes und erhielt 2018 für seine Solo-Arbeit Seascape die Einstiegsförderung der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa. Seine Kreationen wurden bei der Liverpool Biennial, Performing Arts Festival Berlin, Act! Bilbao, Tanzfabrik Berlin, Uferstudios Berlin, PACT Zollverein und tanzhaus nrw gezeigt. Radosavljev arbeitete u.a. mit dem Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Anne Teresa de Keersmaeker, Boris Charmatz, Reinhild Hoffmann, Xavier Le Roy, Nevin Aladag und Michiel Vandevelde zusammen. Dauer: ca. 60 Min. ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ For dancer and choreographer Darko Radosavljev, growing up in his family was characterised by stories of situations and persons that could not be grasped physically, due to loss or living out of reach. Although the stories and myths of his family were very present, he himself could neither become a part of these stories nor have his own physical experiences within them. With his work Salas - a working tale, he dedicates himself to intense artistic research into the myths of work and physicality with which he grew up, choreographically developing them to grow into a solo performance evening. In Serbian, »Salas« denotes a field hut in which labourers dwell. Darko Radosavljev´s paternal family inhabited one of those huts until they managed to accumulate enough material security to be able to move to the village. Therefore, on the one hand, Salas designates a specific biographical place of his family. On the other hand, never having lived there himself, Salas also stands for a projection and a space of desire. The solo performance invites its audience to develop thoughts and fantasies about physical work and family community and to re-imagine their way into these spaces again and again. Last not least, this also creates a (his) specific and queer perspective on physical work and family participation. Between performer and spectator, this imagined and imaginary Salas becomes a shared opportunity to rethink narratives and actions and to (re)write family history. Darko Radosavljev, born in Serbia, works and lives as a choreographer and dancer in Essen and Berlin. He studied dance and choreography at the Folkwang University of the Arts in Essen and at P.A.R.T.S. in Brussels, as well as art and politics at Goldsmiths University of London and the London School of Economics. Between 2010-15, he was the first dance stipendiary of the German National Academic Scholarship Foundation, and in 2018, he received entry-level funding from the Berlin Senate Department for Culture and Europe for his solo work Seascape. His creations have been shown at the Liverpool Biennial, Performing Arts Festival Berlin, Act! Bilbao, Tanzfabrik Berlin, Uferstudios Berlin, PACT Zollverein, and tanzhaus nrw. Radosavljev has collaborated with Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Anne Teresa de Keersmaeker, Boris Charmatz, Reinhild Hoffmann, Xavier Le Roy, Nevin Aladag, Michiel Vandevelde, and others. Duration: ca. 60 min. In German, English and Serbian with German and English surtitles. The play is understandable without knowledge of the language.

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Darko Radosavljev - „Salas - a working tale“

Das Aufwachsen in der Familie war für den Tänzer und Choreografen Darko Radosavljev geprägt durch Geschichten von Situationen und Personen, die aufgrund von Verlust oder einem Leben in räumlicher Distanz für ihn nicht physisch greifbar wurden. Obwohl die Erzählungen und Mythen seiner Familie sehr präsent waren, konnte er selbst kein Teil dieser Geschichten werden, oder eigene körperliche Erfahrungen darin machen. Mit der Arbeit Salas - a working tale widmet er sich der intensiven künstlerischen Recherche zu den Mythen der Arbeit und Körperlichkeit, mit denen er aufwuchs, und entwickelt sie choreografisch zu einem Solo-Abend. Salas steht im serbischen für eine Feldhütte, in der Arbeiter*innen wohnen. Darko Radosavljevs Familie väterlicherseits lebte in einer dieser Hütten, bis sie genug materielle Sicherheit aufgebaut hatten, um ins Dorf ziehen zu können. Somit steht Salas zum einen für einen konkreten biographischen Ort seiner Familie. Zum anderen, da er selbst nie dort lebte, steht Salas auch für eine Projektion und einen Wunsch-Ort. Die Solo-Performance lädt ein, Gedanken und Fantasien über körperliche Arbeit und Familiengemeinschaft zu entwickeln und sich immer wieder neu in diese Räume zu denken. Nicht zuletzt entsteht dadurch auch (s)eine spezifische und queere Perspektive auf körperliche Arbeit und familiäre Teilhabe. Zwischen Performer und Zuschauer*innen wird diese imaginierte und imaginäre Salas eine geteilte Möglichkeit, Erzählungen und Handlungen neu zu denken und die Familiengeschichte (um)zuschreiben. Darko Radosavljev, geboren in Serbien, arbeitet und lebt als Choreograf und Tänzer in Essen und Berlin. Er studierte Tanz und Choreografie an der Folkwang Universität der Künste in Essen und bei P.A.R.T.S. in Brüssel, sowie Kunst und Politik an der Goldsmiths University of London und der London School of Economics. Er war von 2010-15 erster Tanzstipendiat der Studienstiftung des deutschen Volkes und erhielt 2018 für seine Solo-Arbeit Seascape die Einstiegsförderung der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa. Seine Kreationen wurden bei der Liverpool Biennial, Performing Arts Festival Berlin, Act! Bilbao, Tanzfabrik Berlin, Uferstudios Berlin, PACT Zollverein und tanzhaus nrw gezeigt. Radosavljev arbeitete u.a. mit dem Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Anne Teresa de Keersmaeker, Boris Charmatz, Reinhild Hoffmann, Xavier Le Roy, Nevin Aladag und Michiel Vandevelde zusammen. Dauer: ca. 60 Min. ------------------------------------------------------------------------------------------------------------------ For dancer and choreographer Darko Radosavljev, growing up in his family was characterised by stories of situations and persons that could not be grasped physically, due to loss or living out of reach. Although the stories and myths of his family were very present, he himself could neither become a part of these stories nor have his own physical experiences within them. With his work Salas - a working tale, he dedicates himself to intense artistic research into the myths of work and physicality with which he grew up, choreographically developing them to grow into a solo performance evening. In Serbian, »Salas« denotes a field hut in which labourers dwell. Darko Radosavljev´s paternal family inhabited one of those huts until they managed to accumulate enough material security to be able to move to the village. Therefore, on the one hand, Salas designates a specific biographical place of his family. On the other hand, never having lived there himself, Salas also stands for a projection and a space of desire. The solo performance invites its audience to develop thoughts and fantasies about physical work and family community and to re-imagine their way into these spaces again and again. Last not least, this also creates a (his) specific and queer perspective on physical work and family participation. Between performer and spectator, this imagined and imaginary Salas becomes a shared opportunity to rethink narratives and actions and to (re)write family history. Darko Radosavljev, born in Serbia, works and lives as a choreographer and dancer in Essen and Berlin. He studied dance and choreography at the Folkwang University of the Arts in Essen and at P.A.R.T.S. in Brussels, as well as art and politics at Goldsmiths University of London and the London School of Economics. Between 2010-15, he was the first dance stipendiary of the German National Academic Scholarship Foundation, and in 2018, he received entry-level funding from the Berlin Senate Department for Culture and Europe for his solo work Seascape. His creations have been shown at the Liverpool Biennial, Performing Arts Festival Berlin, Act! Bilbao, Tanzfabrik Berlin, Uferstudios Berlin, PACT Zollverein, and tanzhaus nrw. Radosavljev has collaborated with Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Anne Teresa de Keersmaeker, Boris Charmatz, Reinhild Hoffmann, Xavier Le Roy, Nevin Aladag, Michiel Vandevelde, and others. Duration: ca. 60 min. In German, English and Serbian with German and English surtitles. The play is understandable without knowledge of the language.

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Boys´ Club

Boys´ Club reflektiert die Erfahrungen weiblich gelesener Tap-Künstler*innen im Laufe der Geschichte bis heute. Das Stück befasst sich mit Machtdynamiken, die die vielfältigen Facetten aufzeigen, in denen weiblich gelesene Menschen in der heutigen Welt wahrgenommen werden. Mit ihrem Stück erzählt die kanadische, von Frauen*geleitete Tap Dance Company ihre individuellen Geschichten und setzt sie in Beziehung zu Künstlerinnen, die vor ihnen waren. Dabei werden starke Übereinstimmungen von aktuellen und historischen Beispielen deutlich - Erfahrungen, die Künstler*innen in männerzentrierten Gesellschaften im Laufe der Zeit machen, ähneln sich. Veronica Simpson, Elise McGrenera und Laura Donaldson waren Residenzkünstlerinnen der TAP AHEAD Festivalausgabe von 2022 und gründeten ihre Company Boys´ Club kurz darauf. Ihr gleichnamiges, erstes gemeinsames Stück feierte 2023 in Barcelona Premiere und nun kommen die drei nach Düsseldorf zurück. All female bezieht sich bei Boys´ Club nicht allein auf Tanz und Choreografie: der Soundtrack des Stücks besteht ausschließlich aus Tracks von weiblich gelesenen Musiker*innen und Komponist*innen. Dauer: ca. 60 Min. --------------------------------------------------------------- Boys´ Club reflects on the experiences of female-read tap artists throughout history, up to the present day. The play deals with power dynamics that show the many facets in which female-read people are perceived in today´s world. With their piece, the women-led Canadian tap dance company tells their individual stories and relates them to female artists who came before them. In the process, strong similarities between current and historical occurrences become clear - experiences that artists in male-centred societies have over time are similar. Veronica Simpson, Elise McGrenera and Laura Donaldson were resident artists at the 2022 edition of the TAP AHEAD Festival and founded their company Boys´ Club shortly afterwards. Their first joint piece of the same name premiered in Barcelona in 2023 and now the three dancers are returning to Düsseldorf. In Boys´ Club, all female does not only refer to dance and choreography: the soundtrack of the piece consists exclusively of tracks by female musicians and composers. Duration: ca. 60 min.

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Josh Hilberman - „Dances and Stories“

In dieser bewegenden Retrospektive untersucht Josh Hilberman sein Leben im Tap Dance anhand der Tänze (historisches Repertoire sowie Originalwerke) und der Tänzer*innen (Lehrer*innen aus dem goldenen Zeitalter des Stepptanzes), die seine künstlerische Vision gefördert und geformt haben. Vaudevillian, Melodienmacher, Geschichtenerzähler, Absurdist, Provokateur - und immer swingend - reflektiert Silberman über die Lektionen, die er von einigen der größten Praktiker*innen des Tap Dance gelernt hat. Letztlich erzählt er eine Geschichte der Liebe zum Tap. Dauer: ca. 60 Min. --------------------------------------------------------------------------------------------------- In this moving retrospective, Josh Hilberman explores his life in tap dancing through the dances (historical repertoire as well as original works) and dancers (teachers from the golden age of tap dancing) who supported and shaped his artistic vision. Vaudevillian, melody maker, storyteller, absurdist, provocateur - and always swinging -, Silberman reflects on the lessons he has learned from some of tap dance´s greatest practitioners. Ultimately, he tells a story about the love of tap. Duration: ca. 60 min.

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Tap Ahead Gala

Eine Star-Riege internationaler Tap-Künstler*innen vereint sich auf der großen Bühne und feiert die 27. Gala im Rahmen des Tap Ahead Festivals! Reich an Rhythmen, mit Mut zur Improvisation und garantierter musikalischer Raffinesse zeigt das tanzhaus nrw Tap at its best: Die Festivalkünstler*innen machen dabei sämtliche Spielarten des zeitgenössischen Tap Dance sichtbar und lassen zusammen mit dem Roman Babik Trio durch Improvisation, virtuose Rhythmusspiele und unorthodoxe Verbindungen, ein faszinierendes Mosaik zeitgemäßer Tap Dance Kunst entstehen. Eröffnet wird die Gala von T.A.P. - The Augmented Project. Dauer: ca. 90 Min. -------------------------------------------------------------------------------------------------------- A star-studded line-up of international tap artists unites on the big stage and celebrates the 27th gala as part of the Tap Ahead Festival! Rich in rhythms, courageously improvising, and with guaranteed musical sophistication, tanzhaus nrw presents tap at its best: The festival artists shine a light on all varieties of contemporary tap dance visible and, together with the Roman Babik Trio, create a fascinating mosaic of contemporary tap dance art through improvisation, virtuoso rhythmic games, and unorthodox connections. T.A.P. - The Augmented Project will open the gala. Duration: ca. 90 min.

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Estefanía Porqueras - „Tap-Lab: A-Cos.o“

Sieben Tage lang untersucht unsere diesjährige Residenzkünstlerin Estefanía Porqueras in ihrer ersten Recherche zu A-Cos.o eine mögliche, auf Tap Dance basierende Bewegungssprache, die als Antwort auf körperliche und emotionale Unterdrückung des Individuums gelesen werden kann. Durch den Einsatz von am tanzenden Körper angebrachten Mikro-Kameras, deren Bilder live projiziert werden sollen, plant sie die Zuschauer*innenperspektive zu erweitern. Estefanía Porqueras ist eine Tap-Tänzerin, Choreografin, Dozentin und Kuratorin aus Barcelona. Mit ihrer Arbeit fördert sie kontinuierlich die künstlerische Entwicklung des Tap Dance und setzt sich für die Vernetzung von Tap mit anderen und neuen Tanzformen ein. Sie ist künstlerische Leiterin der Tanzkompanie UNUM Project. Porqueras tanzt als Protagonistin der CAMUT BAND, einer der renommiertesten internationalen Tap Dance Gruppen, und ist Kuratorin des Tap Dance-Programms im alternativen Theater Golem´S in Barcelona. Seit 2012 unterrichtet sie regelmäßig an der Escola Luthier, die eines der führenden Zentren für Tap Dance in Barcelona ist. Gegenwärtig bestehen für Tap Dance Künstler*innen kaum Möglichkeiten erste Ideen zu skizzieren und mögliche Strukturen für weitere Arbeiten zu entwerfen. Mit dem Tap-Lab möchten wir zur Förderung und damit zur Stärkung und Zukunftssicherung der aktuellen Tap Dance Kultur beitragen. Im Anschluss gibt es einen Talk auf der kleinen Bühne. Dauer: ca. 60 Min. inkl. Talk --------------------------------------------------------------------------------------------------- For seven days, Estefanía Porqueras, this year´s Artist in Residence, explores a possible tap dance-based movement language that can be read as a response to physical and emotional oppression of the individual in her first research on A-Cos.o. By using micro-cameras attached to the dancing body, whose images are to be projected live, she plans to expand the viewer´s perspective. Estefanía Porqueras is a tap dancer, choreographer, teacher and curator from Barcelona. With her work, she continuously promotes the artistic development of tap dance and advocates the networking of tap with other and new dance forms. She is the artistic director of the dance company UNUM Project. Porqueras dances as the protagonist of CAMUT BAND, one of the most renowned international tap dance groups, and is the curator of the tap dance program at the alternative theater Golem´S in Barcelona. Since 2012 she has been teaching regularly at the Escola Luthier, one of the leading centers for tap dance in Barcelona. There are currently barely any opportunities for tap dance artists to sketch out initial ideas and design possible structures for further work. With the Tap-Lab, we would like to contribute to the support and, therefore, to a strengthening and safeguarding of the future of current Tap Dance culture. Afterwards there will be a talk on the small stage. Duration: ca. 60 min. incl. talk

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MOUVOIR - École des Sables, Stephanie Thiersch & Alesandra Seutin - „UNTIL THE BEGINNINGS“

To begin again Isn't to go backwards But to decide to go on. (Amanda Gorman) Auf der Leinwand globaler Rhythmen inszeniert Until the Beginnings ein energiegeladenes Tanzgedicht, das ein internationales Team von acht Tänzer*innen aus dem Senegal, Deutschland und Frankreich mit Musiker*innen aus den Bereichen Perkussion und Rap zusammenbringt. Die Regisseurinnen Alesandra Seutin (künstlerische Leiterin der École des Sables, Senegal) und Stephanie Thiersch (künstlerische Leiterin von MOUVOIR, Deutschland), die verschiedene Arbeitsweisen vertreten, weben eine Choreografie, die das Wesen der Gastfreundschaft herausfordert. Aktuelle politische Verwicklungen wie die Kriminalisierung von Gastfreundschaft in vielen Teilen der Welt sowie Konzepte von Jacques Derrida und Anne Dufourmantelle und utopische Gemeinschaftsräume fanden ihren Weg in das Projekt. Gemeinsam begeben sich Alesandra Seutin und Stephanie Thiersch auf eine Reise, den Begriff »zu Hause« zu dekonstruieren und die Möglichkeiten der Kultivierung eines gemeinsamen Gartens in einem Geflecht aus Kontinuität, Zyklen und sich verbindender Fäden. Mit dem Performance-Konzert HELLO TO EMPTINESS war Stephanie Thiersch mit MOUVOIR 2022 zuletzt am tanzhaus nrw. Authentisch wie experimentell verhandeln die vielschichtigen Inszenierungen von MOUVOIR die wesentlichen Bereiche unseres modernen Lebens. Als kompromisslose Beobachterin seziert Stephanie Thiersch mit MOUVOIR ihre Umwelt: Popkultur, Philosophie und Bildende Kunst sind ihre Werkzeuge. Thiersch sieht ihre choreografische Arbeit in einem weiter gefassten Verständnis von interdisziplinärer Bewegungsforschung, die aktuell vor allem Musik in das choreografische Denken miteinbezieht. Until the Beginnings entstand in einer transkontinentalen Kollaboration mit École des Sables und Alesandra Seutin. Die École des Sables ist ein internationales Zentrum für traditionellen und zeitgenössischen afrikanischen Tanz, eine Schule für theoretischen und praktischen Unterricht, ein Forschungslabor und ein Ort für Begegnungen und Austausch, Konferenzen und künstlerische Residenzen für Tänzer*innen und Choreograf*innen aus Afrika, der afrikanischen Diaspora und verschiedenen Kulturen aus der ganzen Welt. Seit 2020 ist Alesandra Seutin die künstlerische Leiterin der École des Sables. Die internationale Performerin, Choreografin und Dozentin wurde in Harare, Simbabwe, geboren. Sie studierte Tanz in Europa, Afrika, Asien und den Vereinigten Staaten. Außerdem absolvierte sie eine Ausbildung an der École des Sables in Senegal, wo sie Schülerin von Germaine Acogny war, die ihre Technik an sie weitergegeben hat. Heute ist Alesandra Seutin eine Botschafterin dieser Technik, die sie an der École des Sables und in der ganzen Welt unterrichtet. Dauer: 75 Min. ------------------------------------------------------------------------------------ To begin again Isn't to go backwards But to decide to go on. (Amanda Gorman) Beneath the canvas of global rhythms, Until the Beginnings orchestrates a vibrant dance-poem that brings together an international team of eight dancers from Senegal, Germany and France along with musicians from the field of percussion and rap. The directors Alesandra Seutin (Artistic Director École des Sables, Senegal) and Stephanie Thiersch (Artistic Director MOUVOIR, Germany) of diverse realms, weave a choreographic tapestry challenging the essence of hospitality. Current political enfoldings of the criminalisation of hospitality in many parts of the world as well as concepts of Jacques Derrida and Anne Dufourmantelle and utopian common spaces found their way into the project. Together, they embark on a journey of deconstructing the notion of »at-home« and exploring the possibilities of cultivating a shared garden in the tapestry of continuity, cycles, and interconnected threads. Stephanie Thiersch and MOUVOIR most recently guested at tanzhaus nrw presenting performance concert HELLO TO EMPTINESS in 2022. Authentic as well as experimental, MOUVOIR´s multi-layered productions negotiate modern life's essential fields. As an uncompromising observer, Stephanie Thiersch dissects her environment with MOUVOIR: pop culture, philosophy, and visual arts are her tools. Thiersch sees her choreographic work within a broader conception of interdisciplinary movement research, which currently primarily incorporates music into choreographic thinking. Until the Beginnings was created in a transcontinental collaboration with École des Sables and Alesandra Seutin. École des Sables is an international centre for traditional and contemporary African dance, a school for theoretical and practical teaching, a research laboratory, and a place for encounters and exchanges, conferences and artistic residencies for dancers and choreographers from Africa, the African diaspora, and different cultures from around the world. Alesandra Seutin has been the artistic director at École des Sables since 2020. The international performer, choreographer, and lecturer was born in Harare, Zimbabwe. She studied dance in Europe, Africa, Asia, and the United States. She also completed her training at École des Sables in Senegal, where she was a student of Germaine Acogny, who passed on her technique. Today, Alesandra Seutin is an ambassador of this technique, which she teaches at École des Sables as well as around the globe. Duration: 75 min. In English, Wolof, Malagasy und French.

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MOUVOIR - École des Sables, Stephanie Thiersch & Alesandra Seutin - „UNTIL THE BEGINNINGS“

To begin again Isn't to go backwards But to decide to go on. (Amanda Gorman) Auf der Leinwand globaler Rhythmen inszeniert Until the Beginnings ein energiegeladenes Tanzgedicht, das ein internationales Team von acht Tänzer*innen aus dem Senegal, Deutschland und Frankreich mit Musiker*innen aus den Bereichen Perkussion und Rap zusammenbringt. Die Regisseurinnen Alesandra Seutin (künstlerische Leiterin der École des Sables, Senegal) und Stephanie Thiersch (künstlerische Leiterin von MOUVOIR, Deutschland), die verschiedene Arbeitsweisen vertreten, weben eine Choreografie, die das Wesen der Gastfreundschaft herausfordert. Aktuelle politische Verwicklungen wie die Kriminalisierung von Gastfreundschaft in vielen Teilen der Welt sowie Konzepte von Jacques Derrida und Anne Dufourmantelle und utopische Gemeinschaftsräume fanden ihren Weg in das Projekt. Gemeinsam begeben sich Alesandra Seutin und Stephanie Thiersch auf eine Reise, den Begriff »zu Hause« zu dekonstruieren und die Möglichkeiten der Kultivierung eines gemeinsamen Gartens in einem Geflecht aus Kontinuität, Zyklen und sich verbindender Fäden. Mit dem Performance-Konzert HELLO TO EMPTINESS war Stephanie Thiersch mit MOUVOIR 2022 zuletzt am tanzhaus nrw. Authentisch wie experimentell verhandeln die vielschichtigen Inszenierungen von MOUVOIR die wesentlichen Bereiche unseres modernen Lebens. Als kompromisslose Beobachterin seziert Stephanie Thiersch mit MOUVOIR ihre Umwelt: Popkultur, Philosophie und Bildende Kunst sind ihre Werkzeuge. Thiersch sieht ihre choreografische Arbeit in einem weiter gefassten Verständnis von interdisziplinärer Bewegungsforschung, die aktuell vor allem Musik in das choreografische Denken miteinbezieht. Until the Beginnings entstand in einer transkontinentalen Kollaboration mit École des Sables und Alesandra Seutin. Die École des Sables ist ein internationales Zentrum für traditionellen und zeitgenössischen afrikanischen Tanz, eine Schule für theoretischen und praktischen Unterricht, ein Forschungslabor und ein Ort für Begegnungen und Austausch, Konferenzen und künstlerische Residenzen für Tänzer*innen und Choreograf*innen aus Afrika, der afrikanischen Diaspora und verschiedenen Kulturen aus der ganzen Welt. Seit 2020 ist Alesandra Seutin die künstlerische Leiterin der École des Sables. Die internationale Performerin, Choreografin und Dozentin wurde in Harare, Simbabwe, geboren. Sie studierte Tanz in Europa, Afrika, Asien und den Vereinigten Staaten. Außerdem absolvierte sie eine Ausbildung an der École des Sables in Senegal, wo sie Schülerin von Germaine Acogny war, die ihre Technik an sie weitergegeben hat. Heute ist Alesandra Seutin eine Botschafterin dieser Technik, die sie an der École des Sables und in der ganzen Welt unterrichtet. Dauer: 75 Min. ------------------------------------------------------------------------------------ To begin again Isn't to go backwards But to decide to go on. (Amanda Gorman) Beneath the canvas of global rhythms, Until the Beginnings orchestrates a vibrant dance-poem that brings together an international team of eight dancers from Senegal, Germany and France along with musicians from the field of percussion and rap. The directors Alesandra Seutin (Artistic Director École des Sables, Senegal) and Stephanie Thiersch (Artistic Director MOUVOIR, Germany) of diverse realms, weave a choreographic tapestry challenging the essence of hospitality. Current political enfoldings of the criminalisation of hospitality in many parts of the world as well as concepts of Jacques Derrida and Anne Dufourmantelle and utopian common spaces found their way into the project. Together, they embark on a journey of deconstructing the notion of »at-home« and exploring the possibilities of cultivating a shared garden in the tapestry of continuity, cycles, and interconnected threads. Stephanie Thiersch and MOUVOIR most recently guested at tanzhaus nrw presenting performance concert HELLO TO EMPTINESS in 2022. Authentic as well as experimental, MOUVOIR´s multi-layered productions negotiate modern life's essential fields. As an uncompromising observer, Stephanie Thiersch dissects her environment with MOUVOIR: pop culture, philosophy, and visual arts are her tools. Thiersch sees her choreographic work within a broader conception of interdisciplinary movement research, which currently primarily incorporates music into choreographic thinking. Until the Beginnings was created in a transcontinental collaboration with École des Sables and Alesandra Seutin. École des Sables is an international centre for traditional and contemporary African dance, a school for theoretical and practical teaching, a research laboratory, and a place for encounters and exchanges, conferences and artistic residencies for dancers and choreographers from Africa, the African diaspora, and different cultures from around the world. Alesandra Seutin has been the artistic director at École des Sables since 2020. The international performer, choreographer, and lecturer was born in Harare, Zimbabwe. She studied dance in Europe, Africa, Asia, and the United States. She also completed her training at École des Sables in Senegal, where she was a student of Germaine Acogny, who passed on her technique. Today, Alesandra Seutin is an ambassador of this technique, which she teaches at École des Sables as well as around the globe. Duration: 75 min. In English, Wolof, Malagasy und French.

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MOUVOIR - École des Sables, Stephanie Thiersch & Alesandra Seutin - „UNTIL THE BEGINNINGS“

To begin again Isn't to go backwards But to decide to go on. (Amanda Gorman) Auf der Leinwand globaler Rhythmen inszeniert Until the Beginnings ein energiegeladenes Tanzgedicht, das ein internationales Team von acht Tänzer*innen aus dem Senegal, Deutschland und Frankreich mit Musiker*innen aus den Bereichen Perkussion und Rap zusammenbringt. Die Regisseurinnen Alesandra Seutin (künstlerische Leiterin der École des Sables, Senegal) und Stephanie Thiersch (künstlerische Leiterin von MOUVOIR, Deutschland), die verschiedene Arbeitsweisen vertreten, weben eine Choreografie, die das Wesen der Gastfreundschaft herausfordert. Aktuelle politische Verwicklungen wie die Kriminalisierung von Gastfreundschaft in vielen Teilen der Welt sowie Konzepte von Jacques Derrida und Anne Dufourmantelle und utopische Gemeinschaftsräume fanden ihren Weg in das Projekt. Gemeinsam begeben sich Alesandra Seutin und Stephanie Thiersch auf eine Reise, den Begriff »zu Hause« zu dekonstruieren und die Möglichkeiten der Kultivierung eines gemeinsamen Gartens in einem Geflecht aus Kontinuität, Zyklen und sich verbindender Fäden. Mit dem Performance-Konzert HELLO TO EMPTINESS war Stephanie Thiersch mit MOUVOIR 2022 zuletzt am tanzhaus nrw. Authentisch wie experimentell verhandeln die vielschichtigen Inszenierungen von MOUVOIR die wesentlichen Bereiche unseres modernen Lebens. Als kompromisslose Beobachterin seziert Stephanie Thiersch mit MOUVOIR ihre Umwelt: Popkultur, Philosophie und Bildende Kunst sind ihre Werkzeuge. Thiersch sieht ihre choreografische Arbeit in einem weiter gefassten Verständnis von interdisziplinärer Bewegungsforschung, die aktuell vor allem Musik in das choreografische Denken miteinbezieht. Until the Beginnings entstand in einer transkontinentalen Kollaboration mit École des Sables und Alesandra Seutin. Die École des Sables ist ein internationales Zentrum für traditionellen und zeitgenössischen afrikanischen Tanz, eine Schule für theoretischen und praktischen Unterricht, ein Forschungslabor und ein Ort für Begegnungen und Austausch, Konferenzen und künstlerische Residenzen für Tänzer*innen und Choreograf*innen aus Afrika, der afrikanischen Diaspora und verschiedenen Kulturen aus der ganzen Welt. Seit 2020 ist Alesandra Seutin die künstlerische Leiterin der École des Sables. Die internationale Performerin, Choreografin und Dozentin wurde in Harare, Simbabwe, geboren. Sie studierte Tanz in Europa, Afrika, Asien und den Vereinigten Staaten. Außerdem absolvierte sie eine Ausbildung an der École des Sables in Senegal, wo sie Schülerin von Germaine Acogny war, die ihre Technik an sie weitergegeben hat. Heute ist Alesandra Seutin eine Botschafterin dieser Technik, die sie an der École des Sables und in der ganzen Welt unterrichtet. Dauer: 75 Min. ------------------------------------------------------------------------------------ To begin again Isn't to go backwards But to decide to go on. (Amanda Gorman) Beneath the canvas of global rhythms, Until the Beginnings orchestrates a vibrant dance-poem that brings together an international team of eight dancers from Senegal, Germany and France along with musicians from the field of percussion and rap. The directors Alesandra Seutin (Artistic Director École des Sables, Senegal) and Stephanie Thiersch (Artistic Director MOUVOIR, Germany) of diverse realms, weave a choreographic tapestry challenging the essence of hospitality. Current political enfoldings of the criminalisation of hospitality in many parts of the world as well as concepts of Jacques Derrida and Anne Dufourmantelle and utopian common spaces found their way into the project. Together, they embark on a journey of deconstructing the notion of »at-home« and exploring the possibilities of cultivating a shared garden in the tapestry of continuity, cycles, and interconnected threads. Stephanie Thiersch and MOUVOIR most recently guested at tanzhaus nrw presenting performance concert HELLO TO EMPTINESS in 2022. Authentic as well as experimental, MOUVOIR´s multi-layered productions negotiate modern life's essential fields. As an uncompromising observer, Stephanie Thiersch dissects her environment with MOUVOIR: pop culture, philosophy, and visual arts are her tools. Thiersch sees her choreographic work within a broader conception of interdisciplinary movement research, which currently primarily incorporates music into choreographic thinking. Until the Beginnings was created in a transcontinental collaboration with École des Sables and Alesandra Seutin. École des Sables is an international centre for traditional and contemporary African dance, a school for theoretical and practical teaching, a research laboratory, and a place for encounters and exchanges, conferences and artistic residencies for dancers and choreographers from Africa, the African diaspora, and different cultures from around the world. Alesandra Seutin has been the artistic director at École des Sables since 2020. The international performer, choreographer, and lecturer was born in Harare, Zimbabwe. She studied dance in Europe, Africa, Asia, and the United States. She also completed her training at École des Sables in Senegal, where she was a student of Germaine Acogny, who passed on her technique. Today, Alesandra Seutin is an ambassador of this technique, which she teaches at École des Sables as well as around the globe. Duration: 75 min. In English, Wolof, Malagasy und French.

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Mamela Nyamza - „HATCHED ENSEMBLE“

HATCHED ENSEMBLE ist ein poetisches und emotional eindringliches Stück, es arbeitet mit diversem musikalischen Bewegungsmaterial aus der klassischen westlichen Tanzgeschichte und afrikanischen Tanzstilen und Vokalpartituren. HATCHED ENSEMBLE ist, wie der Titel andeutet, ein großes Gruppenstück. Das Ensemble aus zehn Tänzer*innen mit klassischer Ballettausbildung, einer Opernsängerin und einem Live-Musiker widmet sich dem zutiefst persönlichen und herausfordernden Themenkomplex der Körperpolitik. Nyamza und ihre Performer*innen entmystifizieren und dekonstruieren (Geschlechter-)Normen, sie entlarven sexistische und rassistische Zuschreibungen. Wer schon einmal einen Konflikt mit oder eine Verunsicherung der eigenen Identität gespürt hat, wird sich von HATCHED ENSEMBLE besonders angesprochen fühlen. Die Choreografin, Tänzerin und Aktivistin Mamela Nyamza gehört zu den eigenwilligsten Stimmen der Tanzszene Südafrikas. Ihre expressiven und mutigen Arbeiten sind meist von dringenden, gesellschaftlichen Themen getragen. Mit HATCHED ENSEMBLE adaptiert Nyamza ihr vielbeachtetes Solostück HATCHED aus dem Jahr 2007, eine autobiografische Arbeit, in der die Choreografin ihre widerständige Biografie als lesbische Mutter und Künstlerin zwischen (Tanz-)Kulturen und Identitäten, zwischen Tradition und Transformation reflektiert. »HATCHED ENSEMBLE powerfully conveys challenging issues of tradition. An insightful, thought-provoking, and deeply moving production« (Daily Dispatch, Sivenathi Gosa) »Embracing Complexity and Identity in HATCHED ENSEMBLE: The mastery of the performance is its contrast« (CUE, VILIA DUBE) Dauer: ca. 70 Min. ----------------------------------------------------------------------------------------------------------- HATCHED ENSEMBLE is a poetic and emotionally intense piece: it works with diverse musical movement material from classical Western dance history as well as African dance styles and vocal scores. HATCHED ENSEMBLE is, as the title suggests, a large group piece. The ten-strong dance ensemble with a background of classical ballet training, an opera singer and a live musician pursue the deeply personal and challenging topic of body politics. Nyamza and her performers demystify and deconstruct (gender) norms, exposing sexist and racist ascriptions. Anyone who has ever felt a conflict with or uncertainty about their own identity will feel particularly addressed by HATCHED ENSEMBLE. Choreographer, dancer, and activist Mamela Nyamza is one of the most idiosyncratic voices on South Africa´s dance scene. Her expressive and courageous works are usually carried by urgent social issues. With HATCHED ENSEMBLE, Nyamza adapts HATCHED, her highly acclaimed 2007 solo piece, an autobiographical work in which the choreographer reflects on her resistant biography as a lesbian mother and artist between (dance) cultures and identities, between tradition and transformation. »HATCHED ENSEMBLE powerfully conveys challenging issues of tradition. An insightful, thought-provoking, and deeply moving production« (Daily Dispatch, Sivenathi Gosa) »Embracing Complexity and Identity in HATCHED ENSEMBLE: The mastery of the performance is its contrast« (CUE, VILIA DUBE) Duration: ca. 70 min.

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Mamela Nyamza - „HATCHED ENSEMBLE“

HATCHED ENSEMBLE ist ein poetisches und emotional eindringliches Stück, es arbeitet mit diversem musikalischen Bewegungsmaterial aus der klassischen westlichen Tanzgeschichte und afrikanischen Tanzstilen und Vokalpartituren. HATCHED ENSEMBLE ist, wie der Titel andeutet, ein großes Gruppenstück. Das Ensemble aus zehn Tänzer*innen mit klassischer Ballettausbildung, einer Opernsängerin und einem Live-Musiker widmet sich dem zutiefst persönlichen und herausfordernden Themenkomplex der Körperpolitik. Nyamza und ihre Performer*innen entmystifizieren und dekonstruieren (Geschlechter-)Normen, sie entlarven sexistische und rassistische Zuschreibungen. Wer schon einmal einen Konflikt mit oder eine Verunsicherung der eigenen Identität gespürt hat, wird sich von HATCHED ENSEMBLE besonders angesprochen fühlen. Die Choreografin, Tänzerin und Aktivistin Mamela Nyamza gehört zu den eigenwilligsten Stimmen der Tanzszene Südafrikas. Ihre expressiven und mutigen Arbeiten sind meist von dringenden, gesellschaftlichen Themen getragen. Mit HATCHED ENSEMBLE adaptiert Nyamza ihr vielbeachtetes Solostück HATCHED aus dem Jahr 2007, eine autobiografische Arbeit, in der die Choreografin ihre widerständige Biografie als lesbische Mutter und Künstlerin zwischen (Tanz-)Kulturen und Identitäten, zwischen Tradition und Transformation reflektiert. »HATCHED ENSEMBLE powerfully conveys challenging issues of tradition. An insightful, thought-provoking, and deeply moving production« (Daily Dispatch, Sivenathi Gosa) »Embracing Complexity and Identity in HATCHED ENSEMBLE: The mastery of the performance is its contrast« (CUE, VILIA DUBE) Dauer: ca. 70 Min. ----------------------------------------------------------------------------------------------------------- HATCHED ENSEMBLE is a poetic and emotionally intense piece: it works with diverse musical movement material from classical Western dance history as well as African dance styles and vocal scores. HATCHED ENSEMBLE is, as the title suggests, a large group piece. The ten-strong dance ensemble with a background of classical ballet training, an opera singer and a live musician pursue the deeply personal and challenging topic of body politics. Nyamza and her performers demystify and deconstruct (gender) norms, exposing sexist and racist ascriptions. Anyone who has ever felt a conflict with or uncertainty about their own identity will feel particularly addressed by HATCHED ENSEMBLE. Choreographer, dancer, and activist Mamela Nyamza is one of the most idiosyncratic voices on South Africa´s dance scene. Her expressive and courageous works are usually carried by urgent social issues. With HATCHED ENSEMBLE, Nyamza adapts HATCHED, her highly acclaimed 2007 solo piece, an autobiographical work in which the choreographer reflects on her resistant biography as a lesbian mother and artist between (dance) cultures and identities, between tradition and transformation. »HATCHED ENSEMBLE powerfully conveys challenging issues of tradition. An insightful, thought-provoking, and deeply moving production« (Daily Dispatch, Sivenathi Gosa) »Embracing Complexity and Identity in HATCHED ENSEMBLE: The mastery of the performance is its contrast« (CUE, VILIA DUBE) Duration: ca. 70 min.

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Charlotte Triebus x Mirevi - „Precious Camouflage“

KI-Agenten produzieren als Deepfakes bezeichnete, realistisch wirkende Medieninhalte am Fließband - Bilder von Menschen, die so existieren könnten, aber vollständig aus künstlich erzeugten Datensätzen bestehen. Doch was, wenn auch Bewegungen künstlich erzeugt werden? Was bedeutet es, wenn der generierte Datensatz möglichst glaubhaft vortäuschen möchte, menschlich zu sein? Im Rahmen des Stücks Precious Camouflage arbeiten vier Tänzer*innen der New Human Body Society, das Ensemble um Charlotte Triebus, mit mehreren KI-Agenten. Die autonomen Systeme können eigenständig wahrnehmen, entscheiden und handeln und nehmen sowohl Einfluss auf die Choreografie als auch auf das Livegeschehen auf der Bühne. Das Kernstück der Arbeit ist eine große Installation, bestehend aus 4 LED-Elementen, zwischen denen die Tänzer*innen auf der Bühne agieren. Precious Camouflage bringt die Besucher*innen in eine Auseinandersetzung mit den drängenden Fragestellungen nach dem Umgang, der Bedeutung, den Chancen und Gefahren von KI. Unter der künstlerischen Leitung von Charlotte Triebus entsteht Precious Camouflage in enger Zusammenarbeit mit dem Mirevi Lab der Hochschule Düsseldorf und vobe.digital. Charlotte Triebus arbeitet als Performancekünstlerin und Choreografin. Sie forscht mit ihrem Ensemble, der New Human Body Society, und dem MIREVI-Team an der Schnittstelle zwischen Tanz, Kunst und Technologie und verbindet künstlerische Praxis und theoretische Forschung. Dabei fragt sie gezielt nach dem agierenden Körper, Agency und queeren Identitätsverhältnissen. Die Arbeitsgruppe Mixed Reality & Visualisierung (Mirevi, www.mirevi.de) der Hochschule Düsseldorf unter der Leitung von Christian Geiger arbeitet im Bereich VR/AR/MR und Mensch-Technik-Interaktion, Robotik, digitale Gesundheit und intelligente Systeme. Ein Schwerpunkt der Arbeiten sind bewegungsbasierte Interfaces und der Einsatz digitaler Technologien im Kunst- und Kulturkontext. Dabei werden insbesondere auch nichttechnische Aspekte der Nutzer*innenerfahrung und soziale und ethische Implikationen berücksichtigt. Die Kollaboration von Charlotte Triebus mit dem Mirevi Lab zeichnet sich seit einigen Jahren durch ihre Stabilität in der Qualität und hochwertigen Produktionen aus. Künstlerische Fragestellungen zu Tanzkunst und Forschung an Technologie finden nicht nur Ausdruck im künstlerischen Werk, sondern fließen in technische Forschung und wissenschaftliche Publikationen auf renommierten Konferenzen ein. Dauer: 45 Min. ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Assembly-line AI agents produce realistic-looking media content called deepfakes - images of people that could exist in this way while consisting entirely of artificially generated data sets. But what if movements were also artificially generated? What does it mean if the generated data set wants to simulate humanity as plausibly as possible? During the Precious Camouflage piece, four dancers from the Charlotte Triebus-led New Human Body Society ensemble collaborate with several AI agents. The autonomous systems can perceive, decide, and act independently and influence both the choreography and the live events on stage. At the work's core lies a large installation, consisting of 4 LED elements, between which the dancers act on stage. Precious Camouflage brings visitors into a confrontation with the urgent questions of dealing with AI, its meaning, the opportunities, and its dangers. Under the artistic direction of Charlotte Triebus, Precious Camouflage is being created in close co-operation with the Mirevi Lab of the Düsseldorf University of Applied Sciences and vobe.digital. Charlotte Triebus works as a performance artist and choreographer. Together with her ensemble, the New Human Body Society, and the MIREVI team, she conducts research at the intersection of dance, art, and technology, combining artistic practice and theoretical research. In doing so, she specifically asks about the acting body, agency, and queer identity relations. The Mixed Reality & Visualization (Mirevi, www.mirevi.de) working group at Düsseldorf University of Applied Sciences, headed by Christian Geiger, works in the field of VR/AR/MR and human-technology interaction, robotics, digital health, and intelligent systems. One focus of the activities lies in movement-based interfaces and the use of digital technologies in the context of art and culture. In particular, non-technical aspects of the user experience and social and ethical implications are also taken into account. For several years now, Charlotte Triebus´ collaboration with the Mirevi Lab has been distinguished by its stability in quality and sophisticated productions. Artistic queries on dance art and research on technology do not only find expression in the artistic work, but they also flow into technical research and scientific publications at renowned conferences. Duration: 45 min.

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Charlotte Triebus x Mirevi - „Precious Camouflage“

KI-Agenten produzieren als Deepfakes bezeichnete, realistisch wirkende Medieninhalte am Fließband - Bilder von Menschen, die so existieren könnten, aber vollständig aus künstlich erzeugten Datensätzen bestehen. Doch was, wenn auch Bewegungen künstlich erzeugt werden? Was bedeutet es, wenn der generierte Datensatz möglichst glaubhaft vortäuschen möchte, menschlich zu sein? Im Rahmen des Stücks Precious Camouflage arbeiten vier Tänzer*innen der New Human Body Society, das Ensemble um Charlotte Triebus, mit mehreren KI-Agenten. Die autonomen Systeme können eigenständig wahrnehmen, entscheiden und handeln und nehmen sowohl Einfluss auf die Choreografie als auch auf das Livegeschehen auf der Bühne. Das Kernstück der Arbeit ist eine große Installation, bestehend aus 4 LED-Elementen, zwischen denen die Tänzer*innen auf der Bühne agieren. Precious Camouflage bringt die Besucher*innen in eine Auseinandersetzung mit den drängenden Fragestellungen nach dem Umgang, der Bedeutung, den Chancen und Gefahren von KI. Unter der künstlerischen Leitung von Charlotte Triebus entsteht Precious Camouflage in enger Zusammenarbeit mit dem Mirevi Lab der Hochschule Düsseldorf und vobe.digital. Charlotte Triebus arbeitet als Performancekünstlerin und Choreografin. Sie forscht mit ihrem Ensemble, der New Human Body Society, und dem MIREVI-Team an der Schnittstelle zwischen Tanz, Kunst und Technologie und verbindet künstlerische Praxis und theoretische Forschung. Dabei fragt sie gezielt nach dem agierenden Körper, Agency und queeren Identitätsverhältnissen. Die Arbeitsgruppe Mixed Reality & Visualisierung (Mirevi, www.mirevi.de) der Hochschule Düsseldorf unter der Leitung von Christian Geiger arbeitet im Bereich VR/AR/MR und Mensch-Technik-Interaktion, Robotik, digitale Gesundheit und intelligente Systeme. Ein Schwerpunkt der Arbeiten sind bewegungsbasierte Interfaces und der Einsatz digitaler Technologien im Kunst- und Kulturkontext. Dabei werden insbesondere auch nichttechnische Aspekte der Nutzer*innenerfahrung und soziale und ethische Implikationen berücksichtigt. Die Kollaboration von Charlotte Triebus mit dem Mirevi Lab zeichnet sich seit einigen Jahren durch ihre Stabilität in der Qualität und hochwertigen Produktionen aus. Künstlerische Fragestellungen zu Tanzkunst und Forschung an Technologie finden nicht nur Ausdruck im künstlerischen Werk, sondern fließen in technische Forschung und wissenschaftliche Publikationen auf renommierten Konferenzen ein. Dauer: 45 Min. ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Assembly-line AI agents produce realistic-looking media content called deepfakes - images of people that could exist in this way while consisting entirely of artificially generated data sets. But what if movements were also artificially generated? What does it mean if the generated data set wants to simulate humanity as plausibly as possible? During the Precious Camouflage piece, four dancers from the Charlotte Triebus-led New Human Body Society ensemble collaborate with several AI agents. The autonomous systems can perceive, decide, and act independently and influence both the choreography and the live events on stage. At the work's core lies a large installation, consisting of 4 LED elements, between which the dancers act on stage. Precious Camouflage brings visitors into a confrontation with the urgent questions of dealing with AI, its meaning, the opportunities, and its dangers. Under the artistic direction of Charlotte Triebus, Precious Camouflage is being created in close co-operation with the Mirevi Lab of the Düsseldorf University of Applied Sciences and vobe.digital. Charlotte Triebus works as a performance artist and choreographer. Together with her ensemble, the New Human Body Society, and the MIREVI team, she conducts research at the intersection of dance, art, and technology, combining artistic practice and theoretical research. In doing so, she specifically asks about the acting body, agency, and queer identity relations. The Mixed Reality & Visualization (Mirevi, www.mirevi.de) working group at Düsseldorf University of Applied Sciences, headed by Christian Geiger, works in the field of VR/AR/MR and human-technology interaction, robotics, digital health, and intelligent systems. One focus of the activities lies in movement-based interfaces and the use of digital technologies in the context of art and culture. In particular, non-technical aspects of the user experience and social and ethical implications are also taken into account. For several years now, Charlotte Triebus´ collaboration with the Mirevi Lab has been distinguished by its stability in quality and sophisticated productions. Artistic queries on dance art and research on technology do not only find expression in the artistic work, but they also flow into technical research and scientific publications at renowned conferences. Duration: 45 min.

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Charlotte Triebus x Mirevi - „Precious Camouflage“

KI-Agenten produzieren als Deepfakes bezeichnete, realistisch wirkende Medieninhalte am Fließband - Bilder von Menschen, die so existieren könnten, aber vollständig aus künstlich erzeugten Datensätzen bestehen. Doch was, wenn auch Bewegungen künstlich erzeugt werden? Was bedeutet es, wenn der generierte Datensatz möglichst glaubhaft vortäuschen möchte, menschlich zu sein? Im Rahmen des Stücks Precious Camouflage arbeiten vier Tänzer*innen der New Human Body Society, das Ensemble um Charlotte Triebus, mit mehreren KI-Agenten. Die autonomen Systeme können eigenständig wahrnehmen, entscheiden und handeln und nehmen sowohl Einfluss auf die Choreografie als auch auf das Livegeschehen auf der Bühne. Das Kernstück der Arbeit ist eine große Installation, bestehend aus 4 LED-Elementen, zwischen denen die Tänzer*innen auf der Bühne agieren. Precious Camouflage bringt die Besucher*innen in eine Auseinandersetzung mit den drängenden Fragestellungen nach dem Umgang, der Bedeutung, den Chancen und Gefahren von KI. Unter der künstlerischen Leitung von Charlotte Triebus entsteht Precious Camouflage in enger Zusammenarbeit mit dem Mirevi Lab der Hochschule Düsseldorf und vobe.digital. Charlotte Triebus arbeitet als Performancekünstlerin und Choreografin. Sie forscht mit ihrem Ensemble, der New Human Body Society, und dem MIREVI-Team an der Schnittstelle zwischen Tanz, Kunst und Technologie und verbindet künstlerische Praxis und theoretische Forschung. Dabei fragt sie gezielt nach dem agierenden Körper, Agency und queeren Identitätsverhältnissen. Die Arbeitsgruppe Mixed Reality & Visualisierung (Mirevi, www.mirevi.de) der Hochschule Düsseldorf unter der Leitung von Christian Geiger arbeitet im Bereich VR/AR/MR und Mensch-Technik-Interaktion, Robotik, digitale Gesundheit und intelligente Systeme. Ein Schwerpunkt der Arbeiten sind bewegungsbasierte Interfaces und der Einsatz digitaler Technologien im Kunst- und Kulturkontext. Dabei werden insbesondere auch nichttechnische Aspekte der Nutzer*innenerfahrung und soziale und ethische Implikationen berücksichtigt. Die Kollaboration von Charlotte Triebus mit dem Mirevi Lab zeichnet sich seit einigen Jahren durch ihre Stabilität in der Qualität und hochwertigen Produktionen aus. Künstlerische Fragestellungen zu Tanzkunst und Forschung an Technologie finden nicht nur Ausdruck im künstlerischen Werk, sondern fließen in technische Forschung und wissenschaftliche Publikationen auf renommierten Konferenzen ein. Dauer: 45 Min. ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Assembly-line AI agents produce realistic-looking media content called deepfakes - images of people that could exist in this way while consisting entirely of artificially generated data sets. But what if movements were also artificially generated? What does it mean if the generated data set wants to simulate humanity as plausibly as possible? During the Precious Camouflage piece, four dancers from the Charlotte Triebus-led New Human Body Society ensemble collaborate with several AI agents. The autonomous systems can perceive, decide, and act independently and influence both the choreography and the live events on stage. At the work's core lies a large installation, consisting of 4 LED elements, between which the dancers act on stage. Precious Camouflage brings visitors into a confrontation with the urgent questions of dealing with AI, its meaning, the opportunities, and its dangers. Under the artistic direction of Charlotte Triebus, Precious Camouflage is being created in close co-operation with the Mirevi Lab of the Düsseldorf University of Applied Sciences and vobe.digital. Charlotte Triebus works as a performance artist and choreographer. Together with her ensemble, the New Human Body Society, and the MIREVI team, she conducts research at the intersection of dance, art, and technology, combining artistic practice and theoretical research. In doing so, she specifically asks about the acting body, agency, and queer identity relations. The Mixed Reality & Visualization (Mirevi, www.mirevi.de) working group at Düsseldorf University of Applied Sciences, headed by Christian Geiger, works in the field of VR/AR/MR and human-technology interaction, robotics, digital health, and intelligent systems. One focus of the activities lies in movement-based interfaces and the use of digital technologies in the context of art and culture. In particular, non-technical aspects of the user experience and social and ethical implications are also taken into account. For several years now, Charlotte Triebus´ collaboration with the Mirevi Lab has been distinguished by its stability in quality and sophisticated productions. Artistic queries on dance art and research on technology do not only find expression in the artistic work, but they also flow into technical research and scientific publications at renowned conferences. Duration: 45 min.

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Now & Next - Mit Arbeiten von Ray, Thaddäus Maria Jungmann and others

Die Plattform für choreografischen Nachwuchs zeigt regelmäßig erste eigene Arbeiten, Projekte und Arbeitsstände von Künstler*innen aus Nordrhein-Westfalen. An einem Abend werden bis zu drei kurze Stücke präsentiert. Im Anschluss gibt es einen Austausch mit den Künstler*innen. In der Juniausgabe von Now & Next präsentieren wir junge Ästhetiken aus der zeitgenössischen Szene und der urbanen Tanzkultur. Mit dabei sind: Ray, Thaddäus Maria Jungmann u.a. Dauer: ca. 90 Min. ---------------------------------------------------------------------------- The platform for up-and-coming choreographers regularly presents first works under the artists' own names, projects, and work-in-progress excerpts by North Rhine-Westphalian artists. Up to three short works will be presented per evening. There will be a subsequent exchange with the artists. For the June edition of Now & Next, we will present young aesthetics from the contemporary scene and urban dance culture. It will feature Ray, Thaddäus Maria Jungmann, and others. Duration: about 90 min.

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Now & Next - Mit Arbeiten von Ray, Thaddäus Maria Jungmann and others

Die Plattform für choreografischen Nachwuchs zeigt regelmäßig erste eigene Arbeiten, Projekte und Arbeitsstände von Künstler*innen aus Nordrhein-Westfalen. An einem Abend werden bis zu drei kurze Stücke präsentiert. Im Anschluss gibt es einen Austausch mit den Künstler*innen. In der Juniausgabe von Now & Next präsentieren wir junge Ästhetiken aus der zeitgenössischen Szene und der urbanen Tanzkultur. Mit dabei sind: Ray, Thaddäus Maria Jungmann u.a. Dauer: ca. 90 Min. ---------------------------------------------------------------------------- The platform for up-and-coming choreographers regularly presents first works under the artists' own names, projects, and work-in-progress excerpts by North Rhine-Westphalian artists. Up to three short works will be presented per evening. There will be a subsequent exchange with the artists. For the June edition of Now & Next, we will present young aesthetics from the contemporary scene and urban dance culture. It will feature Ray, Thaddäus Maria Jungmann, and others. Duration: about 90 min.

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Jan Martens / GRIP - „VOICE NOISE“

VOICE NOISE erweckt den Eindruck, Teil eines viel längeren Ereignisses zu sein, bei dem Tänzer*innen und Stimmen kommen und gehen, in einer endlosen Entfaltung von verborgenen oder vergessenen musikalischen Schätzen. Inspiriert von The Gender of Sound, einem Essay von Anne Carson (1995), kreiert Martens einen eklektischen Mix aus hundert Jahren weiblich gelesener Stimmen in der Musikgeschichte: singend, summend, beruhigend, schreiend, flüsternd. In diesem Essay erzählt Carson, wie weibliche Stimmen stummgeschaltet, als überflüssig oder gar als störender Lärm angesehen wurden. VOICE NOISE ist ein Happening, ein gemeinsames Ereignis für Publikum und Performer*innen. Das Theater wird zu einem undefinierten offenen Raum, in dem Zuschauen und Zuhören gleichberechtigt behandelt werden. ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- VOICE NOISE suggests being part of a much longer event wherein dancers and voices come and go, in an infinite deployment of hidden or forgotten musical treasures. Inspired by The Gender of Sound, a 1995 essay by Anne Carson, Martens creates an eclectic mix from a century of female-read voices in music history: singing, humming, soothing, screaming, whispering. In her essay, Carson recounts how female voices were muted, perceived as superfluous or even as disturbing noise. VOICE NOISE is a happening, a communal event for audience and performers. The theatre becomes an undefined open space in which viewing and listening are treated equally.

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Jan Martens / GRIP - „VOICE NOISE“

VOICE NOISE erweckt den Eindruck, Teil eines viel längeren Ereignisses zu sein, bei dem Tänzer*innen und Stimmen kommen und gehen, in einer endlosen Entfaltung von verborgenen oder vergessenen musikalischen Schätzen. Inspiriert von The Gender of Sound, einem Essay von Anne Carson (1995), kreiert Martens einen eklektischen Mix aus hundert Jahren weiblich gelesener Stimmen in der Musikgeschichte: singend, summend, beruhigend, schreiend, flüsternd. In diesem Essay erzählt Carson, wie weibliche Stimmen stummgeschaltet, als überflüssig oder gar als störender Lärm angesehen wurden. VOICE NOISE ist ein Happening, ein gemeinsames Ereignis für Publikum und Performer*innen. Das Theater wird zu einem undefinierten offenen Raum, in dem Zuschauen und Zuhören gleichberechtigt behandelt werden. ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- VOICE NOISE suggests being part of a much longer event wherein dancers and voices come and go, in an infinite deployment of hidden or forgotten musical treasures. Inspired by The Gender of Sound, a 1995 essay by Anne Carson, Martens creates an eclectic mix from a century of female-read voices in music history: singing, humming, soothing, screaming, whispering. In her essay, Carson recounts how female voices were muted, perceived as superfluous or even as disturbing noise. VOICE NOISE is a happening, a communal event for audience and performers. The theatre becomes an undefined open space in which viewing and listening are treated equally.

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Choy Ka Fai - „Sometimes I See The Future“

Lecture-Performance mit tanzendem Avatar und hyperrealen meta humans In Sometimes, I see the Future erforscht Choy Ka Fai Telepräsenz und digital zirkulierende Tänze aus der Perspektive von Cosplaying. Cosplay ermöglicht eine bestimmte Manifestation des Seins, eine Möglichkeit, neue Gemeinschaften zu schaffen - und gleichzeitig die Erfahrung des Andersseins. Jenseits der spielerischen Selbstdarstellung und der populären Unterhaltungsform wird Cosplaying hier zum Startpunkt einer Untersuchung posthumaner Welten. »Tanz existiert überall in unseren sozialen Medien. Ich schaffe ein extremes Selbstporträt, das von künstlicher Intelligenz, Renderfarmen, Chatbots, Cosplays, Twitch-Streaming und virtuellen YouTuber*innen inspiriert ist. Es ist jedoch nicht wirklich ein Selbstporträt, sondern das, was wir im Zeitalter der beschleunigten digitalen Kultur alle sein wollen/können/werden. Ich interessiere mich für den Diskurs darüber, wie wir uns in Richtung Web 3.0 bewegen, wie wir Technologie in Zukunft dezentralisieren und wie wir in Zukunft menschlich sein können.« (Choy Ka Fai) Dauer ca. 60 Min. In englischer Sprache. ------------------------------------------------------------------------------------------------------------ Lecture Performance with Dancing Avatar and Hyperreal Meta-Humans In Sometimes I see the Future, Choy Ka Fai examines telepresence and digitally circulating dances from a cosplay perspective. Cosplay allows for a certain manifestation of being, a way to create new communities - as well as the simultaneous experience of being different. Beyond playful self-expression and popular entertainment, cosplaying here becomes the starting point for an investigation of post-human worlds. »Dance exists everywhere on our social media. I create an extreme self-portrait inspired by artificial intelligence, render farms, chatbots, cosplays, Twitch streaming, and virtual YouTubers. However, it is not a real self-portrait, it is rather what we all want/can/will be in the age of accelerated digital culture. I am interested in the discourse on how we are approaching Web 3.0, how we will decentralise technology in the future, and how we can be human in the future.« (Choy Ka Fai) In English

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